Presenta en Buenos Aires, junto a Ana Laguna, su espectáculo Tres solos y un dúo. Sábado 23 y domingo 24 de octubre en el Teatro Coliseo.

En octubre llega a Buenos Aires uno de los más grandes bailarines de todos los tiempos a presentar el último espectáculo que viene presentando con gran éxito en distintas ciudades de los EEUU y Europa.

Tres solos y un dúo es un espectáculo de danza contemporánea compuesto de cuatro piezas de destacados coreógrafos: dos solos que baila Mikhail Baryshnikov, ‘Valse-Fantasie’, de Alexei Ratmansky, y ‘Years later’, de Benjamin Millepied; y dos pas de deux, ‘Solo for Two’ y ‘Place’, ambos firmados por el coreógrafo Mats Ek, y que el legendario artista ruso baila con la española Ana Laguna. De hecho ‘Place’ es una pieza que Ek creó especialmente para estos dos grandes artistas.

Baryshnikov es ya una verdadera leyenda. Fue figura e hizo historia en el Kirov, en el American Ballet Theatre (como bailarín y luego como director) y en el White Oaks Dance Project. Realizó innumerables actuaciones y giras con el unánime reconocimiento de público y crítica.

Actor de películas junto a glorias como Shirley MacLaine o Gene Hackman o de series como “Sexo en Nueva York” donde compuso el personaje de Aleksandr Petrovsky, el último novio de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker).

La española Ana Laguna tiene una trayectoria repleta de memorables interpretaciones. Prestigiosa y de gran fama internacional, permanece ligada al Cullberg Ballet y al coreógrafo Mats Ek, compañero y pareja desde hace más de dos décadas.

Mats Ek, nace en Suecia, hijo de la prestigiosa coreógrafa Birgit Culberg y del actor Anders Ek. Se incorpora al Ballet Cullberg como bailarín y luego dirige esa compañía. Es un influyente artista y creador, con más de cuarenta ballets en su haber.

Alexei Ratmansky fue director artístico del Ballet Bolshoi y artista en residencia en el American Ballet Theatre, y Benjamin Millepied es primer solista de la New York City Ballet.

Mijaíl Nikoláyevich Baríshnikov, bailarín, coreógrafo y actor, nació en enero de 1948, Riga, Letonia.

Su padre era ingeniero y su madre costurera. A los once años ingresó en la Escuela de Ballet del Teatro de la Opera de Riga, en la cual fue aceptado un año después, en 1960, donde continuó sus estudios académicos.

Durante este tiempo, Baríshnikov aprendió a hablar francés y aspiraba a ser concertista de piano. Con el tiempo, se enamoró más del ballet que del piano y como resultado de su propio interés y su éxito en festivales escolares, decidió seguir la carrera de bailarín.

En 1963, durante una visita a Leningrado, solicitó la entrada en la famosa Academia de Ballet Vaganova. Fue inmediatamente admitido y se unió a la clase de Aleksandr Pushkin, quien anteriormente había enseñado a Rudolf Nureyev. Al completar sus estudios en 1966, se unió al Ballet Kirov en Leningrado.

Luego de innumerables éxitos y premios, su necesidad de ampliar horizontes lo llevó a huir del rígido aparato soviético -al igual que Nureyev- y abandonó su lugar preponderante en el Ballet Kirov en 1974, mientras realizaba una gira por Canadá. Desde entonces se unió al American Ballet Theatre y se vinculó con las más prestigiosas compañías americanas, europeas y canadienses.

De 1980 a 1989 asumió la dirección artística del American Ballet Theatre.

En 1990 fundó la White Oaks Dance Project (WODP), junto a M. Morris, una compañía de danza moderna que se presentó por el mundo entero.

A parte de su vida artística dedicada al mundo de la danza, Baryshnikov ha participado como actor en varias producciones cinematográficas, como “Paso decisivo” (1977), con Shirley MacLaine; “Noches de sol” (1985), “Dancers” (1987), “The Cabinet of Dr. Ramirez” (1991) y “Espías sin fronteras” (1991) junto a Gene Hackman. Por su participación en “Paso decisivo” fue nominado al Oscar como Mejor Actor Secundario.

Para la televisión también intervino en las películas realizadas sobre famosos ballets como “The nutcracker” (1977), “Carmen” (1980) y “Don Quijote” (1984).

También se hizo acreedor de un premio Tony por su participación en la obra teatral de Broadway “Metamorfosis” de Frank Kafka.

Su última aparición como actor fue en la afamada serie “Sexo en Nueva York” en el personaje de Aleksandr Petrovsky, el último novio de Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker).

Ana Laguna tiene una trayectoria llena de memorables interpretaciones.

Prestigiosa y de gran fama internacional, permanece ligada al Cullberg Ballet y Mats Ek, compañero y pareja, desde hace más de dos décadas.

Fue en 1973 cuando la compañía sueca recalaba en Madrid, y Birgit Cullberg, entonces directora de la agrupación, contrataba a una joven Ana Laguna para formar parte del conjunto. A partir de este momento, sucesivos roles protagonistas de variados ballets, muchos de ellos firmados por Ek, comenzaron a dibujar la contundente trayectoria que hoy atesora Laguna.

El papel de princesa en el ballet San Jorge y el dragón, La  casa de Bernarda Alba, el de Giselle y más tarde Carmen, en las renovadoras y rupturistas versiones de Mats Ek, así como La señorita Julia, firmada por Birgit Cullberg e interpretada junto a Rudolf Nureyev, y Sonata para tres, de Maurice Béjart, son algunos ejemplos de la carrera de esta figura de la danza, que ha recibido numerosos galardones y homenajes que avalan su trayectoria.

Chango Spasiuk e Iñaki Urlezaga se presentan por estos días en la Expo Shangai 2010 como parte de la programación cultural del Pabellón Argentino.

Pasados ya tres meses de la inauguración de la Expo Shangai 2010, megamuestra que ocupa 528 hectáreas y de la que participan 190 países, el Pabellón Argentino continúa presentando una importante programación cultural.

La misma fue pensada desde la Secretaría de Cultura de la Nación, sumándose al trabajo de Cancillería en la realización del Pabellón, imprimiéndole un fuerte contenido y representatividad de nuestro país a través de diversos artistas y estilos.

Por estos días se presentarán Chango Spasiuk -26, 27 y 28 de agosto- e Iñaki Urlezaga –el 28, 29 y 30 de agosto- en distintos escenarios de la Expo y en el Pabellón.

Chango Spasiuk, junto a su grupo, mezclará  en este show canciones de su último trabajo, Pinandí, con material de anteriores discos. Composiciones propias y clásicos del chamamé que proponen sonidos, ritmos, climas y texturas propias de paisajes y retratos de nuestra tierra y en especial el litoral.

Iñaki ha preparado un espectáculo con músicas de tango y folclore, creado especialmente para la ocasión, que bailará junto a su compañía –Ballet Concierto- bajo la dirección artística de Lilian Giovine y acompañado de los primeros bailarines Eliana Figueroa y Franco Cadelago. La presentación del día 29 será acompañada en vivo por la Orquesta Filarmónica de Shangai y el bandoneonista Jorge Rutman.

Desde principios de mayo se han presentado en el Pabellón o en otros escenarios de la muestra La Chicana, Baglietto-Vitale, Gustavo Santaolalla con Bajofondo, el dúo Argañaras, Ariel Ardit, Lidia Borda, Liliana Herrero y Juan Falú, Jorge Navarro, Luis Salinas, el dúo Mainetti-Angelelli, Pedro Aznar, Orozco-Barrientos, la Selección Nacional del Tango, el Sexteto Mayor, Raúl Barboza, Peteco Carabal, el Quinteto Real y Pedro Chemes.

Los conciertos son un éxito de público de las más variadas nacionalidades y se ha instalado en la muestra la idea de que la oferta artística de la Argentina es una de las más ricas de entre todas las propuestas. Tanto es así que se forman largas colas desde varias horas antes para ingresar a los shows.

Luego de la presentación de Iñaki Urlezaga y los conciertos de Chango Spasiuk, la programación continúa con Guillermo Fernández, Rodolfo Mederos Trío, Bruno Arias, Aca Seca, el dúo Coplanacu, Javier Malosetti y Jaime Torres.

Luego de agotar las seis funciones programadas en el Gran Rex, Ismael Serrano agrega una más en esa misma sala (la última posible).

Por lo demás, continúa girando con gran éxito también por todo el país. En los próximos días se presentará en la Plata, Mar del Plata, B. Blanca, Trelew, Rosario y Córdoba.

Acuerdate de vivir es el nombre del último trabajo discográfico de Ismael Serrano. Este nuevo álbum, el noveno en la carrera del cantautor español que ha conquistado al público de Argentina.

Está compuesto por quince canciones, fue editado en el pasado mes de abril y presentado a través un concierto digital que fue seguido en directo vía facebook por miles de fans en todo el mundo.

En estos conciertos, Ismael Serrano abordará canciones de este disco y no faltarán algunas de trabajos anteriores.

Viernes 10 de septiembre a las 21.30 horas

Teatro Gran Rex, Av. Corrientes 857, Tel. 4322-8000

Localidades en venta en la boletería del teatro o a través de www.ticketek.com.ar, de $ 60 a 220.

Track List

1-Podría Ser
2-Te Vas
3-El Espejismo
4-Regalo para un primer cumpleaños
5- Oximoron
6-Vuelvo
7-Se ha enredado en tu cabello
8- Mensaje en el contestador
9- Tu Susurro
10-El Hueco en el que anido
11-Preguntas
12-No Reconozco
13-Papel encontrado en la cocina
14- Volveremos
15-Balance
16-Opendisc

Discografía

Un lugar soñado, 2008

Sueños de un hombre despierto, 2007

Naves ardiendo más allá de Orion, 2005

Principio de incertidumbre, 2003

La traición de Wendy, 2002

Los paraísos desiertos, 2000

La memoria de los peces, 1998

Atrapados en azul, 1997.

Biografía

Ismael Serrano Morón nace en Madrid el 9 de marzo de 1974. Crece en Vallekas (Madrid). Estudia cuatro años Ciencias Físicas en la Universidad Complutense de Madrid, así como solfeo y piano.

En los primeros años de la década de los 90 surge en Madrid un nuevo circuito de bares y cafés (Libertad 8, Galileo, Nuevos Juglares) con música en directo que pronto propicia la aparición de un grupo de jóvenes cantautores que recuerda a aquellos que surgieron, 20 años atrás, para alzar sus voces contra la situación política del momento.
Es a principios de 1996 cuando el movimiento deja de ser un fenómeno para convertirse en una realidad que desborda el aforo de estos locales. Así, ese mismo año, Ismael Serrano firma con la entonces Polygram (actualmente convertida en Universal) y edita su primer disco Atrapados en Azul (1997). Canciones como “Papá cuéntame otra vez”, “Vértigo” o “Amo tanto la vida” se convierten entonces en verdaderos himnos para los jóvenes a este lado y al otro del Atlántico, puesto que en países como Argentina y Chile el fenómeno de la nueva generación de cantautores es tan bien acogido como ya lo fue en su día el movimiento cubano de la nueva trova.

Comienza entonces giras que le llevan a tocar en diferentes ciudades de España y de Latinoamérica (Argentina, México, Chile, Uruguay, Paraguay, Puerto Rico, Costa Rica…)

Pero el movimiento de la canción de autor no es sólo musical, sino que está estrechamente ligado a los movimientos solidarios, de modo que Ismael Serrano se compromete para siempre y desde siempre con causas como las de las Madres de la Plaza de Mayo y los zapatistas de México, los actos contra el racismo y la xenofobia y cualquier acto social que lo merezca. Toda esta temática social aparece reflejada en canciones como “México insurgente” (de su primer álbum), “A las madres de mayo” o “Vine del norte”, pertenecientes ambas a su segundo disco La memoria de los peces (1998). Con este álbum no sólo mantiene su éxito, sino que lo aumenta volviendo a ser disco de platino en España, de oro en Argentina y se edita también en México y Uruguay.

Además de su labor como letrista, Ismael Serrano quiere también mejorar como músico. De modo que en su tercer disco Los paraísos desiertos (2000) el cambio musical es notable y aparecen en él, por primera vez, estilos como el jazz y los sonidos africanos.
Emprende en noviembre del 2001 la grabación de su cuarto álbum La traición de Wendy (2002). En él, sus referencias musicales siguen abriéndose llegando ahora a las profundidades de Oriente Próximo y de África del Norte en temas como “La ciudad de los muertos” y “Un hombre espera en el desierto” y atravesando el océano para vestirse de bossa brasileña en “Pájaros en la cabeza”, de blues en “Fue terrible aquel año” y de nuevo, de jazz, presente en temas como “Será”.

En 2003 Ismael Serrano ofrece una gira de 160 días por América Latina en los que recorre cinco países (México, Perú, Chile, Argentina, Uruguay, República Dominicana y Costa Rica), ofreciendo más de 40 conciertos.

Naves ardiendo más allá de Orión (2005) es su sexto álbum, editado en 2005. Su título está influido por la película Blade Runner, en concreto, por su escena final. La crítica lo define como su mejor disco, su trabajo más maduro en la composición de músicas y letras, un reclamo a la memoria y la esperanza desde una perspectiva optimista.

El quinto disco de Ismael Serrano se graba en directo durante dos actuaciones en el Teatro Lope de Vega, en plena Gran Vía madrileña. Principio de incertidumbre (2003) es un álbum doble en directo que recoge una selección de los mejores temas de la discografía de Serrano y seis temas nuevos. Se edita en España, América Latina y Estados Unidos el 3 de noviembre. La edición de este disco se acompaña además de la de un DVD con el concierto íntegro del Teatro Lope de Vega.

En 2004, finaliza la gira de “Principio de incertidumbre”, habiendo ofrecido más de 120 conciertos en España y Latinoamérica, y obteniendo varios reconocimientos, como el nombramiento como Embajador de la Fundación Nelson Mandela.

Con este disco Ismael Serrano hace una gira intensa y emocionante. Son 18 meses en los que ha ofrece casi 200 conciertos en España, Argentina, Chile, Uruguay, Paraguay, Perú, Ecuador, Costa Rica, Puerto Rico, México, Estados Unidos, Canadá y Rusia.

Escribe también durante 2007 junto con el director argentino Juan Pablo Martínez el guión de la película El hombre que corría tras el viento, que Serrano también protagonizará rodando en Buenos Aires y Calafate junto a actores como Jazmín Stuart, Pasta Dioguardi, Bárbara Lombardo.

En enero de ese mismo año Ismael Serrano comienza a grabar su nuevo álbum de estudio. Sueños de un hombre despierto (2007) se edita en España el 11 de septiembre, entrando al número 1 de la lista de ventas la primera semana. “Sueños de un hombre despierto” es editado también en Argentina, Chile, Uruguay, Costa Rica, Estados Unidos, Puerto Rico y México. Entre estas nuevas trece canciones se incluye una colaboración con Mercedes Sosa en el tema “Zamba del emigrante”.

El viernes 27 de agosto se estrena EL BOX, segunda parte de una “trilogía deportiva” concebida por el director, que comenzó el año pasado con La Pesca y continuará el que viene con El fútbol.

La manifiesta violencia, la añoranza de sueños de grandeza, la ausencia de mitos organizadores, la confusión, la derrota, desfilan en los cuadros de una fiesta imposible planeada por María Amelia “La Piñata” en un viejo gimnasio de box.

Nicolino Loche, Mohamed Alí, la Religión, el Sacrificio, la Ofrenda, rebotan  entre guantes y ejercicios de combate. Se habla, parece, de la Patria, de nuestra Patria.

Funciones:

Viernes y sábados a las 22 horas (puntual)

Sportivo Teatral. Thames 1426, Tel. 4833-3585

Localidades $ 60

www.sportivoteatral.com.ar

Actores: Mirta Bogdasarián (Maria Amelia); Pablo Caramelo (Aníbal); Adrián Fondari (Tatú); Andrés Irusta (El Bailarín); Matías Scarvaci (Dr. Otamendi); Jazmín Antar (Delia) y Mariana de la Mata (Noemí).

Dirección: Ricardo Bartís

EL BOX

Hemos elegido el deporte como “fondo”, como “excusa” para interrogarnos sobre la Historia Argentina.

Así como en La Pesca una de la líneas principales eral el Peronismo y su incidencia política y cultural, en El Box –espectáculo concebido inicialmente para ser presentado en la reinauguración del Centro de Experimentación del Teatro Colón como parte de los festejos del Bicentenario- nos volvemos a interrogar sobre nuestros proyectos como país. La manifiesta violencia, la añoranza de sueños de grandeza, la ausencia de mitos organizadores, la confusión, la derrota, desfilan en los cuadros de una fiesta imposible. El Teatro como eco, como desvío.

Sportivo Teatral

SINOPSIS:

En un viejo gimnasio de Box, Maria Amelia “La Piñata”, prepara los festejos de su aniversario.

Habiendo conocido épocas de bonanza y alegrías deportivas, ambiciona recuperar en el ritual de la fiesta esa intensidad que le suministraba “el combate”. La acompaña Aníbal su marido, ex relator y locutor, quien no ve con buenos ojos esta desmesurada ansia de festejo.

Para la fiesta han sido contratados “El Tatú”  y “El Torito” quienes, se supone, animaran con pases boxísticos la reunión.

Frustrada expectativa la de nuestra Anfitriona: ningún invitado se hace presente. Ebria de resentimiento y dolor, “La Piñata”, reclama al mundo por su derrotado presente. Cuando declina  la alicaída fiesta, cae como piedrazo sobre un vidrio el Dr. Otamendi, viejo conocido de nuestra pareja protagónica, acompañado por “las universitarias”, Delia y Noemí, bellas y fugaces como tormenta de verano.

Nicolino Loche, Mohamed Alí, la Religión, el Sacrificio, la Ofrenda, rebotan  entre guantes y ejercicios de combate. Se habla, parece, de la Patria, de nuestra Patria.

El acontecimiento ya esta por ocurrir, ¿será una simple confrontación entre  boxeadores de estilos distintos o habrá en el machuque de la carne un camino de trascendencia y expiación?

Como dice La Piñata Leguisamón: “en un mundo donde se nos ha sustraído toda energía, toda potencia, un buen puñetazo en la boca es el único pasaporte a la conciencia”.

FICHA

Espacio y Dirección                            Ricardo Bartís

Escenografía y realización               Isabel Gual y Ricardo Félix

Vestuario                                                César Taibo

Fotografía                                              Andrés Barragán

Video                                                      Mercedes Amorena

Producción ejecutiva                       Domingo Romano y Lorena Regueiro

Prensa                                                     Marta Grané / Francisco Cerdan

Diseño                                                      Sebastián Mogordoy

Secretaría                                               Martina Torroba

Asistencia de dirección                     Mariano González

A partir del miércoles 11 de agosto, en el marco del programa Arte en la Torre de la Fundación YPF, abrirá al público Fuegos de luces, una muestra de Esteban Álvarez.

El artista ocupa el lugar con un fuego controlado que se repite al infinito, resplandece y flamea evocando llamas. La intervención llena de luz el espacio y está compuesta por una serie de esculturas realizadas en neón con una coreografía de luces controlada por secuencias electrónicas. Un pequeño infierno en una caja. Luz de gas, pero de neón.

Arte en la Torre es un programa de la Fundación YPF que –bajo la curaduría de Fernando Farina- convoca a destacados artistas contemporáneos a través de proyectos especialmente concebidos para este nuevo espacio de exposiciones inaugurado en la planta baja de la  Torre YPF en Puerto Madero, obra del reconocido Arquitecto Cesar Pelli.

El ciclo comenzó el mes de marzo con una exposición de Graciela Sacco a la que le siguió una de Nicola Costantino. Se completará durante el transcurso de este año con muestras de Gabriel Valansi y Adrián Villar Rojas.

Fuegos de luces. Esteban Álvarez

Muestra del programa Arte en la Torre de la Fundación YPF

Del 11 de agosto al 1ero. de octubre, abierto de lunes a viernes de 10 a 19 horas.

Entrada gratuita

Macacha Guemes 515 PB, Puerto Madero

Más datos Esteban Álvarez

Ha participado de varias muestras, entre ellas, la Bienal del Fin del Mundo (Ushuaia, 2009); Variation Time, Kunsteverein, (Munich, 2009); Alucine Video Festival (Toronto, 2009); El mundo y el Pantalón, La casa encendida (Madrid, 2008); SAR07, Museo Macro (Rosario, 2007); Levity, The Drawing Center, (Nueva York, 2007); ACC Gallerie, Weimar (Alemania, 2006); Arte y Compromiso, Museo de Arte Contemporáneo (MEIAC, Badajoz, España, 2005); PR04 (Puerto Rico, 2004); False Impressions (Colchester, Inglaterra, 2003); Bienal de Arte Contemporánea das Américas (Fortaleza, 2004); Contemporáneo 1, MALBA (Buenos Aires, 2002); Unterwegs nach Timbuktu, Ifa Galerie (Berlin, 2002); Exposición individual en Essex Gallery – UECLAA (Colchester, 2000).

Obtuvo numerosas distinciones nacionales e internacionales: 1er Premio Salón Nacional de Artes Visuales, Buenos Aires (2010); 2º Premio, II Bienal internacional de Grabado (Colombia, 1998), Becas: British Council (1999), Fondo Nacional de las Artes (2002), Fundación Antorchas (2003), y Pollock-Krasner Foundation (Nueva York, 2004).

El próximo viernes 3 de septiembre, a las 19 hs. quedará inaugurada la muestra Cortázar íntimo. Relaciones entre Julio Cortázar y las artes plásticas en cuatro salas del MACLA Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata, que podrá visitarse hasta el 3 de octubre.

Esta muestra, presentada por el MACLA y la Fundación YPF, exhibe las relaciones entre el escritor Julio Cortázar y las artes plásticas a través de las obras realizadas por sus amigos pintores, muchas de ellas realizadas en conjunto.

Se estarán exhibiendo obras producidas en conjunto, cartas, documentos y fotografías donde se pone de manifiesto la estrecha relación entre Cortázar y Luis Tomasello, Cesar Oscar Mara, Eduardo Jonquieres, Alberto Jonquieres, María Rocchi y Julio Silva.

Acompañando la muestra se realizará una charla –el jueves 9 de septiembre a las 19 horas- entre Luis Tomasello, llegado especialmente desde París, Cesar López Osornio, Malena Babino, además de presentar en La Plata el libro “Cártas a los Jonquieres” de Editorial Alfaguara.

Inaugura: 3 septiembre 2010 a las 19.00 horas.

Finaliza: 3 Octubre 2010

Salas: 2, 3, 4 y 5

Entrada: Libre y gratuita

MACLA – Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano. Calle 50 entre 6 y 7. La Plata – Tel. (0221) 427-1843 www.macla.com.ar

Cortázar íntimo. Relaciones entre Julio Cortázar y las artes plásticas
Curadores: Mercedes Reitano, Malena Babino y Joaquín Almeida.

Más información:

Eduardo Jonquières nació en Buenos Aires en 1918, donde realizó sus estudios en la Academia Nacional de Bellas Artes y presentó su primera muestra individual. En aquellos primeros años compartiría experiencias y discusiones junto a Carmelo Arden Quin, Luis Tomasello, Blaszko, Vardánega y otros artistas que participaban de los movimientos de vanguardia geométrica.

En la Universidad Nacional de La Plata se desempeñó como profesor de Historia del Arte hasta su radicación en París en 1959, donde continuó con su carrera artística realizando numerosas exposiciones individuales y colectivas en distintos museos y galerías del mundo.

Entre 1956 y 1979 participó de varias Bienales entre las que se pueden mencionar: IV Bienal de San Pablo, Brasil (1956); IV Bienal Americana de Grabado, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago de Chile, (1969); Bienal Interamericana de Arte, Mantón, Francia (1969, 1972).

Mantuvo una extensa relación de amistad con Julio Cortázar, al igual que su mujer María Rocchi sus hijos Maricló, Alberto, Maríasandra y Valeria.

No solo se dedicó a la pintura sino que fue  un importante poeta que publicó La sombra , El Bibliófilo, 1941; Permanencia del ser , El Bibliófilo, 1945; Crecimiento del día , Losada, 1949; Los vestigios , Botella al mar, 1952; Por cuenta y riesgo , Mundonuevo, 1961; Zona árida , Losada, 1965

Falleció en París en el año 2000.

“El tipo de pintura que me propongo-geométrica, hard- edge” escribió Eduardo Jonquieres para el catálogo de la muestra Confluencias de 1992 en España, “me obliga a utilizar la técnica del “scotch-tape” a fin de conseguir contornos precisos y limitar perfectamente los campos del color. El material es el acrílico, que permite eliminar cualquier huella del pincel (y en consecuencia, de pincelada) que sería contrario a mí propósito de nivelación, de neutralidad de la superficie pictórica”.

María Rocchi es grabadora, escenógrafa e ilustradora; nació en la ciudad de Buenos Aires en 1916 y actualmente vive en París donde reside desde el año 1959.

Su formación artística comenzó en la Escuela de Artes Decorativas de la Nación, de donde egresó como Profesora de Dibujo en 1935. Luego estudió grabado, escenografía y cerámica en la Escuela Superior de Bellas Artes “Ernesto de la Cárcova” donde se graduó como Profesora Superior. Entre sus maestros más destacados se cuentan Rodolfo Franco y Adolfo Bellocq, quienes dejaron en ella una huella imborrable.

Entre los años 1938 y 1956 envió en forma periódica obras a los salones nacionales y provinciales; participó también en la exposición “El grabado en la Argentina” organizada en el Museo Municipal de Bellas Artes “Juan B. Castagnino” de Rosario, en 1942.

En el campo de la escenografía, su trayectoria fue reconocida con el “Primer Premio para Figurines de Teatro” en el Salón Nacional de Artistas Decoradores de 1943. Al año siguiente,  en colaboración con Carlota Beitía proyectó los trajes para la pieza de Bernardo Canal Feijóo Pasión y muerte de Silverio Leguizamón, estrenada como obra inaugural en el Teatro Municipal el  23 de mayo.

Tampoco le es ajena la literatura; en ese orden, en 1958, publicó Gente, un contario de relatos breves donde registra fragmentos de la vida cotidiana. Desde su instalación en la capital francesa, María Rocchi mantuvo una presencia activa en exposiciones individuales y colectivas realizadas tanto en París como en Buenos Aires.

Luis Tomasello nació en La Plata, en 1915. Luego de realizar sus estudios en la Escuela Prilidiano Pueyrredón y la Escuela Superior Ernesto de la Cárcova de Buenos Aires, Tomasello viaja a Europa, primero en 1951 y luego en 1957, cuando decide instalarse definitivamente en París, Francia.

Allí conoce a reconocidos miembros del campo artístico internacional y al escritor argentino Julio Cortázar, con quien realiza dos libros-objeto Un elogio del tres (1980) y Negro el 10 (1984)

En Un elogio del tres, tres líneas pintadas representan al hombre (amarillo), la mujer (el azul) y el fruto (el rojo). Estos tres elementos liberados en el cosmos son el origen de todo, la alegría, el dolor, para quienes Cortazar escribió un texto filosófico en verso.

Para 1980 Tomasello venía explorando en sus obras la ausencia de luz. Para ello creó sus obras negras, en las que hendiduras surcaban la superficie, generando un negro más oscuro que cualquier pintura, gracias a la ausencia de luz. El título Negro el 10, hace referencia a estas obras, a la cantidad de ejemplares publicados y a que el 10, en la ruleta es color negro.

Para 1960 Tomasello desarrolla su concepto de color luz. En sus obras, pequeños cubos se fijan a la superficie por una de sus aristas, dejando libre sus seis lados. Al agregar color, solo en dos caras opuestas al plano o superficie de la obra, la luz se refleja sobre ellas proyectándose en el espacio y coloreando la atmósfera, que es lo que llamaría atmósfera cromoplástica.

Construye sus relieves razonadamente, colocando pequeños cuerpos geométricos estructurados matemáticamente sobre una superficie cuadrada o rectangular. La repetición seriada impide aislar individualmente los elementos llevándonos a una lectura integral de la obra.

En 1976 fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras, en París, Francia y posteriormente, en 2004 fue declarado Ciudadano Ilustre de la ciudad de La Plata.

Sus obras integran las colecciones de instituciones como Musée Nacional d´Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París, Francia; Centre Nacional d´Art Contemporaine, París, Francia; Museo Wilfredo Lam, Cuba; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España; Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, entre muchas otras. El MACLA es el mayor depositario de sus obras en el mundo.

Julio Silva nació en Argentina en 1930. Artista plástico, escultor y diagramador, durante tres décadas mantuvo una profunda amistad con Julio Cortázar.

Se conocieron en 1955, cuando Silva, después de estudiar en el taller de Battle Planas, decidió probar suerte en París, donde reside desde entonces. Juntos realizaron las tapas de Rayuela, Todos los fuegos el fuego y Bestiario. En conjunto produjeron el libro Silvalandia, integrado por relatos breves de Cortázar inspirados en dibujos de Silva.

El MACLA posee una colección integrada por 80 dibujos de Silva, de pequeñas dimensiones ( 25 × 35 cm. aproximadamente) realizadas en la década del ´60 y ´70. Las obras están realizadas en pluma de oca, pincel, tinta china, tinta sepia, témpera y acuarela, sobre papel anciano, canson y otros.

Alberto Jonquières en 1967, todavía adolescente y ya fotógrafo, inicia su serie de retratos de Cortázar.

Esas fotos son parte de una manera casi opuesta a la más conocida de Jonquières, la que hoy se encuentra en las colecciones del Centro Georges Pompidou, del Museo Carnavalet de París, Fondation Florencio de la Fuente, Requena, España o del Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. Allí el fotógrafo hace de la presencia humana y de todo lo que tiene movimiento –trenes, barcos en el Sena, el agua contra los pilares de los puentes-, una fantasmagoría, un borrón de luz y color.

Entre sus últimas exposiciones se destacan el Musée Municipal de Kyoto, Japon (2009) y Libreria del Centro, Madrid (2009)

Oscar César Mara nació en Buenos Aires en 1935. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes. A partir de 1963 realiza estudios junto a Juan Battle Planas.

Con Cortázar realizó la serie “Después hay que llegar”, quien puso palabras a obras de su autoría. En ellas el escritor y el pintor se refieren al difícil trance del exilio.

Poseen obras suyas colecciones argentinas y del Uruguay, Chile, Venezuela, Puerto Rico, Brasil, EEUU, España, Italia, Suiza, Bélgica, Alemania y Francia.

Churita es el nombre del cuarto trabajo solista de la cantante y percusionista Mariana Baraj, y el primero en el cual todas las canciones fueron compuestas y producidas por ella.Es el resultado de un largo camino recorrido y de una búsqueda personal que por su singular estilo la sitúa como uno de los nuevos e ineludibles referentes musicales de estos tiempos.

En Churita -palabra de origen quechua muy utilizada en el norte de la Argentina para describir a una persona buena, linda, agradable- la acompañan Juan Pablo Chapital en guitarras, Quique Ferrari en bajo y voz, Alejandro Franov en acordeón y arpa y su hermano Marcelo Baraj en percusión.

El disco cuenta con la participación especial de Fernando Ruiz Díaz, cantante de Catupecu Machu, grupo del que Mariana participó en su primera formación.

El arte de tapa fue realizado por los artistas Marcos López, Ariel Cortese y Martin Churba.

Durante Abril y Mayo de este año, Mariana se presentó en ciudades como el Distrito Federal de México y en New York, EEUU. En Julio realizará una gira que la llevará a las provincias de Tucumán, Santiago del Estero, Jujuy, Salta y Catamarca. Luego, en agosto se presentará en Japón y Korea; y para fines de Septiembre visitará Porto Alegre, Sao Paulo y Curitiba, en Brasil.

Edita y distribuye Cardonal Records (contacto@marianabaraj.com.ar)

www.marianabaraj.com.ar

www.marianabaraj.blogspot.com

www.myspace.com/marianabaraj

Jueves 16 de septiembre, a las 21.00 hs.

Teatro ND/Ateneo. Paraguay 918 | tel. 4328-2888

Localidades desde 35 pesos, en venta en la boletería del teatro o en plateanet al 5236 3000 | www.plateanet.com

DISCOGRAFIA

• Churita (2010) | Cardonal Records
• Margarita y Azucena (2007) | LAL Discos
• Deslumbre (2005) | LAL Discos
• Lumbre (2002) | Cardonal Records

AGENDA

JULIO

16 – TUCUMAN

23 – SANTIAGO DEL ESTERO

24 – JUJUY

25 – SALTA

27 – CATAMARCA

AGOSTO

21 – TOYAMA, SUKIYAKI MEETS THE WORLD FEST, JAPON

24 – MINAMI, AOYAMA MANDALA, TOKYO, JAPON

28 – GWANGIU WORLD MUSIC FEST, KOREA

SETIEMBRE

16 – ND/ATENEO, BUENOS AIRES

26 – PORTO ALEGRE, BRASIL

28 – CURITIBA, BRASIL

30 – SAO PAULO, BRASIL

BREVE RESEÑA BIOGRÁFICA

Mariana Baraj participa desde sus comienzos en diversos proyectos dentro del rock, el pop y la música popular Argentina como Man Ray o Catupecu Machu.

Luego, su desarrollo artístico como solista la ha llevado a participar de los más destacados festivales del mundo: Rudolstadt, Alemania; Mercado Cultural, Salvador Bahía Brasil; Festival de Percusión Auditori, Barcelona; Congo Square, Haus der Kultur, Berlín; Eslovenia 2006; Oficinas de Música de Curitiba; Ollinkan México; entre otros.

Recorre toda la Argentina y participa de los encuentros más relevantes de la música independiente.

En 2005 viaja a Tokio para participar de la presentación de Monte, colección del diseñador argentino Martin Churba quien además la convoca para ser tapa de la Revista D MODE especial Tokio. En 2007 Churba estuvo a cargo de la dirección del concepto estético de Margarita y Azucena, ante último trabajo de Mariana y del vestuario para todas sus presentaciones.

Ganó el Premio Clarín en 2005, en el rubro Revelación de Folklore y obtuvo nominaciones en los Premios Gardel junto a Mercedes Sosa, Melania Pérez y Abel Pintos entre otros en reiteradas oportunidades.

En 2007 participa del disco Papa, producido por Lucas Martí, junto a las voces más importantes de la nueva escena pop local. A su vez, dirige junto a Marcelo Baraj “Cantaloop”, un espacio de expresión musical para niños y adultos.

Se dedica a la enseñanza y realiza workshops en Brasil, España, Alemania y en diferentes provincias argentinas.

Participa del último trabajo discográfico del Genio del Dub: Mad Profesor.

En el 2007 es seleccionada por la prestigiosa firma Rolex entre 17 artistas del mundo y elegida para viajar a Senegal, África, junto a 2 artistas más para encontrarse con el icono de la cultura africana, Youssou N´Dour en Febrero del 2008.

Participa de la película documental sobre copleras “Esta cajita que toco tiene boca y sabe hablar” junto a la coplera de Angastaco, Salta, Julia Vilte que se estrenó en la 11ª Edición Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente BAFICI en Marzo 2009.

Su música es elegida por cineastas, compañías de danza, DJS y diversos artistas para acompañar sus disciplinas, al mismo tiempo que es seleccionada para acompañar las imágenes de los videos de Red Solidaria para la campaña “Doná un día de tu vida” dirigidos por Juan Pablo Domenech que fueron presentados en los Shows de Soda Stereo en el estadio de River Plate en el 2007.

En Marzo del 2008 es convocada para participar del disco de la artista mexicana Julieta Venegas “MTV UNPLUGGED” producido por Jaques Morelembaum.

Trabaja con la familia de Mario Paz, artesanos  de Santiago del Estero, Argentina, quienes la eligen para ser representante de sus bombos legüeros y cajas.

En Octubre 2008 participa del Festival de Jazz de la Ciudad convocada por su director Adrián Iaies para ser la anfitriona de una de las leyendas del jazz, el pianista Randy Weston.

En Enero 2009 toca con el músico africano de República del Congo, Lokua Kanza en Uruguay y realiza una presentación con América Contemporánea en Curitiba, Brasil.
Este colectivo de artistas reúne a importantes músicos de cada país de Latinoamérica y Mariana participa representando a la Argentina.

Tiene cuatro discos como solista, Lumbre 2002, Deslumbre 2005, Margarita y
Azucena 2007 (producido por Lisandro Aristimuño) y Churita 2010, con artes de tapa y fotografía a cargo de los prestigiosos artistas como Martin Churba, Eduardo Martí, Nora Lezano y Marcos López.

En Abril 2009 participa de la presentación “Cristales Escondidos en Villa Ocampo” realizada por Martin Churba.

En este mismo año es convocada por Parques Nacionales de Bariloche y la Fundación Península Raulí de San Martin de los Andes para producir, arreglar e interpretar un disco para niños con temática de preservación de la flora y fauna de la Patagonia Argentina que se edita en Abril 2010.

Su nuevo trabajo “Churita” contiene por primera vez música original, compuesta, arreglada y dirigida en su totalidad por Mariana Baraj.

Gregory Hopkins y su coro  The Harlem Jubilee Singers presentarán en el teatro Gran Rex una nueva versión de su espectáculo Great Voices of Gospel: un homenaje a las dos vertientes que dan origen a la tradición musical religiosa afro-norteamericana: el Negro Spiritual y el Blues.

Por undécima vez, a fuerza de llenar estadios y teatros, y luego de tres años de ausencia, vuelve a Buenos Aires Gregory Hopkins al frente de su coro Gospel.

El programa que presentarán en esta ocasión partirá de los tempranos Negro Spirituals recopilados al fin de la guerra civil norteamericana, y el resultante fin de la esclavitud, y pasará por un homenaje a la más grande y célebre cantante Gospel de todos los tiempos, Mahalia Jackson (1911-1972), quien contribuyó como nadie a difundir y popularizar la forma rítmica y bluseada que llamaríamos Gospel clásico. Una música netamente urbana y sincopada de la que evolucionan todas las diversas vertientes de hoy. Altamente contagiosa y participativa, lleva a las audiencias a batir palmas, cantar y bailar en las salas, tal como ocurre con las congregaciones de las iglesias negras cada domingo.

The Harlem Jubilee Singers está compuesto de 17 integrantes, cantantes,  bajo, batería y piano, con la dirección de Gregory Hopkins, tenor lírico y pianista que conduce el Harlem Opera Theater y es Ministro de Música de la Convent Avenue Baptist Church de Harlem, New York.

En giras recientes se han presentado en el Festival Umbria Jazz Orvieto (Italia, 2008 y 2009), en Jazz a Vienne (Francia 2009), Festival Jazz Vitoria (España, 2010), Festival Cervantino (México, 2008 y 2009). También se han presentado en Chile, Brasil, Colombia, y Ecuador.

Más información en www.harlemmusictheater.com

Sábado 9 y domingo 10 de octubre, a las 21.30 horas.

Teatro Gran Rex, Av. Corrientes 857, Tel. 4322-8000

Localidades en venta en la boletería del teatro o a través de www.ticketek.com.ar, de $ 80 a 230.

Los Negro Spitituals y el Gospel

Los Negro Spirituals son canciones religiosas que eran cantadas a capella por los esclavos en las plantaciones. Reflejaban el ritmo cansino del trabajo en ese ámbito. Usualmente eran obligados a cantar para evitar que organizaran fugas y sublevaciones.

Las letras -basadas en temas del Antiguo y Nuevo Testamentos- mezclaban su nueva fe, pesares y humor, al tiempo que escondían mensajes cifrados de intrigas, escapes y motines. Eran concebidos colectivamente, y trasmitidos y reformulados a través de la dinámica de la tradición oral.

Esto cambia en 1865 con el fin de la Guerra Civil y la abolición de la esclavitud en todo el territorio de los EEUU. Así, los hasta hace poco esclavos tienen acceso a una educación formal que incluye la posibilidad de una formación musical.

Los Fisk Jubilee Singers son el primer grupo coral afro-americano que rescata, recopila y difunde esta música más allá de las fronteras de su comunidad e incluso de su país. Integrado por once cantantes salen de gira en 1871 con el objetivo de recaudar fondos para la recién fundada Fisk University, una de las primeras casas de estudio integradas racialmente.  Por esa época, se forman también coros de otras universidades como Tuskegee y Hampton. Los nombrados contribuyeron como nadie al rescate de esta forma tradicional que, hasta ese momento, no estaba escrita en partituras y era generada, reelaborada y trasmitida grupal y espontáneamente.

Más adelante, Harry Thacker Burleigh -cantante, músico y compositor negro que fuera asistente de Antonin Dvorak- publica en 1916 Jubilee Songs of the United States of America, una recopilación de mas de 100  Negro Spirituals puestos en partituras y en algunos casos orquestados. De hecho, la Sinfonía a un Nuevo Mundo de Dvorak transpira la presencia de Swing Low, Sweet Chariot, un Spiritual grabado por los Fisk Jubilee Singers y recopilado por Burleigh.

Bajo el nombre de Jubilee Song, el Negro Spiritual, nacido en la esclavitud, se convierte en símbolo y referente cultural durante la emancipación. Estas canciones, basadas en textos bíblicos y  cantadas a capella sobre la base del call and response, es decir el llamado del solista y la respuesta del coro, son la piedra angular de todas las formas musicales populares, sacras y profanas, dentro y fuera de la comunidad afro-americana. Es probablemente la primera forma musical abierta y participativa, que promueve un contrapunto musical entre los  solistas, el coro y la audiencia.

Jubilee refiere a la tradición judeocristiana del jubileo, esos años rituales en que las deudas eran perdonadas y los esclavos liberados. El termino deriva de jubel, el cuerno de carnero convertido en instrumento musical celebratorio en la tradición judía. Al recopilarlos como Jubilee Songs luego de la Emancipación, se los rescata y se los hace símbolo de identidad,  de la libertad adquirida y memoria del pasado común.

En el plano de la música religiosa, el Negro Spiritual es también el basamento de lo que llamamos hoy Gospel. Religiosa también -Gospel significa Evangelio en inglés- esta música refleja  la experiencia de los negros en  las ciudades del norte y es un producto de las primeras de décadas del siglo XX, del período de conformación de las ciudades modernas. La velocidad y el clamor urbano se refleja en su ritmo sincopado.

Thomas Dorsey, exitoso compositor e interprete de blues, llamado el padre de la música gospel, la impone definitivamente alrededor de 1930 en la Iglesia Bautista, la que la había empezado a aceptar de mala gana a partir de los años 20.

Con una fuerte raíz en el Blues, y un fluido intercambio con el Jazz, que evolucionan en paralelo, tiene algo del ritmo frenético de las ciudades americanas modernas. Es música escrita por músicos formados, pero mantiene, como el Blues y el Jazz, la estructura dinámica y abierta de sus antecedentes tradicionales.

Habrá stands de exhibición y venta de ejemplares, presentaciones de libros y mesas redondas.

Del 10 al 12 de septiembre. Abierta de 14 hs. a 21 horas. Entrada libre y gratuita.

Museo Evita, Lafinur 2988, Tel. 4807-0306. www.museoevita.org

Organizado por el Instituto Nacional de Investigaciones Históricas Eva Perón (INIHEP), dependiente de la Secretaría de Cultura de la Nación, se llevará a cabo en las instalaciones del Museo Evita la Segunda Feria del Libro de temática peronista entre los días 10, 11 y 12 de septiembre próximo.

La Feria tiene como fin convertirse en un lugar de difusión de textos sobre el peronismo al tiempo que un ámbito para el intercambio de ideas y debate sobre este movimiento político, en el marco de los objetivos del INIHEP respecto de la realización y difusión de estudios sobre la vida y obra de Evita, sobre la participación política, económica, social y cultural de la mujer y sobre la historia del peronismo y su proyección en la vida nacional.

Allí el público –que accederá en forma gratuita- podrá comprar libros o tomar contacto con ellos en los stands de exhibición, y participar de los debates, mesas redondas y presentaciones libros que se realizarán.

CRONOGRAMA DE ACTIVIDADES

Viernes 10 de septiembre:

Presentación de libro

14.00 hs. La clase obrera peronista. Autor: Roberto Baschetti

15.00 hs. Movimiento obrero argentino. Autor: Claudio Díaz

16.00 hs. Ave fénix. El renacimiento del sindicalismo peronista 1955-1958. Autor: Senén

Gonzalez y Germán Ferrari.

Saludos a Vandor. Vida, muerte y leyenda de un lobo. Autor: Senén Gonzalez y

Fabián Bosoer

17.00 hs. Historia del sindicato de camioneros. Autor: Marcos Vivas

Acto inaugural

18.00 hs. Acto de inauguración y firma de convenio entre el INIHEP y el Dr. Antonio Cafiero

Mesa redonda

19.00 hs. “Peronismo y movimiento obrero”

Panelistas: Carlos Tomada, Hugo Moyano, Víctor Santa María y Héctor Recalde.

Moderador: Claudio Panella

Sábado 11 de septiembre

Presentación de libro

14.00 hs. El presidente duerme. Fusilados de 1956, la generación de una causa.

Autor: Daniel Brion

¿Y si invadimos las Malvinas? La trama secreta de la operación Cóndor.

Autor: Carlos Velazco

15.00 hs. Análisis correspondencia Perón – Cooke. Autor: Aritz Recalde

Historia de la J.P. Autor: Pablo José Hernández

16.00 hs. Imágenes del peronismo. Autores: Samuel Amaral y Horacio Botalla

De Kirchner a Perón. Autores: David Metral y Jorge Piva

17.00 hs. Perón y el arte de la conducción. Aporte para la cultura política argentina

Autor: Alfredo Mason

18.00 hs. Revistas Peronistas. Autores: Claudio Panella y Guillermo Korn

Mesa redonda

19.00 hs. “Las resistencias”

Panelistas: Rubén Marín, Juan C. Dante Gullo, Estela de Carlotto, Eduardo Luís Duhalde, Roberto Bardini, Luís Beraza

Moderador: Pablo Vázquez

Domingo 12 de septiembre

Presentación de libro

14.00 hs. Eva Perón. De puño y letra. Autor: Pablo Adrián Vázquez.

La experiencia venolazana en comunicación. Autoras: Colectivo Alí Primera

Venezuela

15.00hs. María Eugenia Álvarez. La enfermera de Evita. Autor: Programa de Historia Oral

del INIHEP. Colección Mujeres con mayúscula.

16.00 hs. Perón. La formación de su pensamiento. Autor: Piñeiro Iñiguez

17.00 hs. El gobierno peronista contra las provincias montoneras. Autor: Alicia Servetto

18.00 hs. El capital de la cultura. Autor: Octavio Getino

Cine y peronismo. Autora: Clara Kriger

Mesa redonda

19.00 hs: “Cultura y medios de comunicación”

Panelistas: Jorge Coscia, Gabriel Mariotto, Hernán Brienza y Osvaldo Papaleo

Moderadora: Norma Durango

Entre fines de septiembre y diciembre se realizará la edición 2010 del ciclo MUBA. Una vez más llegan a la Argentina destacados artistas de la música del Brasil.

Hamilton de Holanda (23/09)

Chico Cesar (03/10)

Elza Soares (07/10)

Jorge Vercillo (21/10)

Leila Pinheiro (04/11)

Mónica Salmaso junto a Liliana Herrero (18/11)

Joao Bosco (02/12)

MUBA tiene como misión divulgar la música popular brasilera, por medio de la integración de artistas sudamericanos de los más diversos estilos. En sus anteriores ediciones, 2008 y 2009, llegaron a nuestra ciudad artistas de la talla de Daniela Mercury, Hermeto Pascoal, Paulinho Moska y Vanessa da Mata entre otros, experimentando algunos “cruces” con músicos locales como Fito Páez, Luis Salinas, Kevin Johansen, Pedro Aznar, Alejandro Lerner, Diego Torres, etc.

En esta nueva temporada, MUBA se presenta en el marco de una nueva sociedad con la productora argentina LQF MUSIC, quienes desde hace una década trabajan en el mismo sentido de unir lazos entre Argentina y Brasil, sumando un fuerte trabajo en el mercado del Uruguay.

Programa 2010

HAMILTON DE HOLANDA

Bs. As. ND/ATENEO – Jueves 23/09, a las 21 horas.

Hamilton de Holanda – Bandolim de 10 cuerdas.

Virtuoso, brillante y único: son algunos de los calificativos aplicados a este músico quien enciende los públicos en sus giras en el mundo entero, construyendo una carrera galardonada con innumerables premios.

Hamilton de Holanda comienza a tocar a los 5 años en un bandolim (mandolina brasileña) usual de 8 cuerdas. Más tarde añade dos, hasta 10 cuerdas, y lo reinventa: libera este instrumento brasileño emblemático de las herencias de algunas de sus influencias y de algunos de sus estilos para hacerlo un instrumento mundial.

Hamilton toca en varios acontecimientos y festivales importantes en Brasil y en todo el mundo. Compartió el escenario con Maria Bethânia, Ivan Lins, João Bosco, Seu Jorge, John Paul Jones. Su obra más reciente “Brasilianos 2” consta enteramente de composiciones propias. En su discografía figuran también participaciones como músico invitado en CDs de Cesaria Évora, Ivan Lins, Djavan, Beth Carvalho, Zélia Duncan, Dona Ivone Lara, y João Bosco, entre otros.

CHICO CESAR

Bs. As. ND/ATENEO – Domingo 03/10, a las 21 horas.

Chico César – Voz, guitarras y pedales.

Priscila Brigante – Percusión.

Chico César es la estrella con más proyección de la música pop brasileña desde 1996, a pesar de ser un gran y conocido compositor desde hace años. Este éxito le ha llevado a vender 500.000 copias de sus dos primeros discos.

A Chico César se le compara con Caetano Veloso por su poesía, pero sus excelentes y coloridas actuaciones reflejan la influencia del pop africano. Su éxito radica en saber reunir el remolino de ideas de Brasil, dándoles un formato universal. Su revolución está hecha especialmente de sensaciones y experiencias de lo cotidiano.

El último año se presentó en Buenos Aires como invitado de Pedro Aznar en el marco del ciclo MUBA, donde demostró su gran carisma ante una sala repleta del Gran Rex.

ELZA SOARES

Bs. As. ND/ATENEO – Jueves 07/10, a las 21 horas.

Elza Soares – Voz

João de Aquino – Guitarra

Elza Soares nació en Rio de Janeiro, hija de una lavandera y un operario. Comenzó a cantar profesionalmente a los 20 años con la orquesta de Bailes Garan y luego en el teatro João Caetano.

En 1958 realizó una temporada en la Argentina junto con Mercedes Batista cantando la pieza Jou-Jou Frou-frou. Dos años mas tarde grabó su primer disco con la Odeon, que incluyó su primer éxito llamado “Se Acaso voçê chegasse”.

Entre las decadas del 60 y 80 la diva carioca construyó su carrera y llegó a ser reconocida mundialmente por su bella voz, su particular técnica y su “brasilidad” a flor de piel.

El espectáculo en compañía del consagrado violinista João de Aquino fue estrenado en agosto del 2009 en Río de Janeiro y considerado entre los mejores por la crítica del diario O GLOBO.

JORGE VERCILLO

Bs. As. ND/ATENEO – Jueves 21/10, a las 21 horas.

Jorge Vercillo – Voz y guitarra

Andrê Neiva – Bajo

Claudio Infante – Batería

Glauton Campello – Teclados

Jorge Vercillo se ha convertido en los últimos años en uno de los mas importantes compositores contemporáneos de la MPB (Música Popular Brasilera). Desde su comienzos en el año 1995 con su primer disco “Encontro das Aguas”, pasando por su dueto con Djavan en el 2000 interpretando “Final Feliz” y hasta su ultimo disco, “Todos Nos Somos Um” (Nominado a un Grammy Latino en el 2008) el carioca nacido en Botafogo no ha parado de cosechar éxitos. Tiene mucha influencia de Caetano Veloso, Gilberto Gil y de Djavan, de quien no se puede dejar de recaer en su comparación, por su similar  timbre de voz.

Sin embargo no le ha dado tregua a su incesante búsqueda de crecer como artista, en su tercer año consecutivo de visitar a la Argentina, habiendo pisado ya los escenarios del Opera (2008) y Gran Rex (junto a Alejandro Lerner y Pedro Aznar en 2009) quien aun no conozca a este joven artista de la nueva generación de compositores brasileros tendrá la oportunidad el próximo 21 de octubre.

LEILA PINHEIRO

Bs. As. ND/ATENEO – Jueves 04/11, a las 21 horas

Leila Pinheiro – Piano y voz

Inició sus estudios de piano a los diez años en el Instituto de Iniciación Musical. En 1980 estrenó su primer espectáculo, Sinal de Partida, y un año mas tarde se mudo para Río de Janeiro, donde grabó su primer LP independiente, titulado “Leila Pinheiro”.

En el 84 se unió a Zimbo Trío, realizando una serie de espectáculos por el exterior, pero su éxito llego realmente cuando gano el premio de cantante revelación en el Festival dos Festivais

Coleccionando muchos premios, a partir de ahí prosiguió con dos discos, Alma y Bênção Bossa Nova. Este último fue lanzado en conmemoración a los treinta años de la bossa nova, con la producción de Roberto Menescal.

Al final de los años 90, realizó espectáculos en los Estados Unidos junto a Iván Lins, y un tributo a Tom Jobim en el Carnegie Hall.

En el 2001 lanzó Mais coisas do Brasil, y en el 2005 grabo el CD Nos horizontes do mundo. El suceso del álbum llevo a generar el espectáculo homónimo, del cual surge su trabajo más reciente: Nos horizontes do mundo – ao vivo.

MONICA SALMASO & LILIANA HERRERO

Bs. As. ND/ATENEO – Jueves 18/11, a las 21 horas

Liliana Herrero – Voz

Mónica Salmaso – Voz y percusión

Teco Cardoso – Flauta y saxos

Nelson Ayres – Piano

Pedro Rossi – Guitarras

Mario Gusso – Percusión

Mónica Salmaso, nació en San Pablo en 1971. Se ha establecido como una de las mejores voces jóvenes dentro de los talentos del Brasil. Grabó y actuó con muchos de los más importantes artistas brasileros.

En 1995 graba su primer disco, Afro-Samba, compuesto por composiciones de Baden Powell y Vinicius de Moraes. A ese le sucedieron títulos como Trampolim, Voadeira, iaiá, Nem 1 ai y Noites de gala - Samba na rua; este último, un precioso y reconocido trabajo sobre la obra de de Chico Buarque, su padrino artístico.

Liliana Herrero es una de nuestras grandes intérpretes del folklore argentino. Profesora universitaria en Filosofía, nació en Villaguay, Provincia de Entre Ríos. Argentina.

Inició su vida artística como cantante en los años ‘60. Desde entonces sostiene decisiones estéticas y culturales dedicadas a bucear en raíces folklóricas argentinas, otorgándoles sonidos y tratamientos contemporáneos. De esta manera, Liliana Herrero propone una forma de interpretación más ligada a la re-composición que a la mera copia fiel de una obra popular en su versión original.

JOAO BOSCO

Bs. As. ND/ATENEO – Jueves 02/12, a las 21 horas.

Joao Bosco – Guitarra y voz

Joao Bosco es un emergente directo de esa mezcla de estilos donde se funden la música popular brasileña, el jazz, el rock y el pop, un referente vital de toda una generación de músicos imprescindibles, como Milton Nascimento o Gilberto Gil. Un artista de culto que repasará sus más grandes clásicos como “Convocao”, “Jade”, “Papel Maché” y “O bebado e a equilibrista”, entregando un sonido refinado y a la vez poderoso. Su particular estilo se cimienta en su voz -un virtuoso instrumento- y el firme toque de su guitarra. Uno de los símbolos máximos de la música popular del Brasil.

FESTIVAL MUBA 2010

Teatro ND/Ateneo, Paraguay 918 – Tel. 4328-2888

Localidades en venta desde $70 / $80 (dependiendo el show) en la boletería del teatro o a través de www.plateanet.com